Dessiner l'invisible - Kyosuke Hiramatsu crée une « chaleur silencieuse »

Ce qui frappe d'emblée en regardant l'œuvre, c'est son architecture, semblable à celle d'un temple, les personnages alignés comme pour un rituel, et les mystérieux piliers et structures qui se dressent derrière. L'œuvre est à la fois grandiose et paisible, symbolique et émouvante, telle une peinture religieuse. Un « monde » quelque peu nostalgique, mais inédit, se dévoile en silence.
« On me dit parfois que mon travail ressemble à une peinture religieuse, mais je ne le perçois pas du tout comme tel. Je pense plutôt que mon travail conserve une certaine ressemblance avec la composition des peintures japonaises. Je pense avoir été fortement influencé par les peintures japonaises de portes coulissantes et par l'utilisation de l'espace blanc. »

Le point de départ d'une vision du monde : la forme d'énergie apportée par la « cheminée »

« La première chose que j'ai commencé à dessiner, ce sont des cheminées. »
Il a raconté qu'il regardait quotidiennement par la fenêtre de sa maison, qui donnait sur l'usine, et qu'il voyait les cheminées. Depuis son enfance, il ressentait que la « présence imposante » des cheminées l'avait touché. L'intérieur des cheminées était invisible de l'extérieur, et elles continuaient de cracher de la fumée blanche dans le ciel – il ressentait la présence d'une énergie invisible au niveau de la « sortie d'air ».
Regarder les cheminées me procure un sentiment de mystère. De l'extérieur, je ne vois pas ce qui se passe à l'intérieur, mais de la fumée s'échappe. Quelque chose brûle, il y a de la chaleur et de l'énergie. Je crois que j'ai été attiré par leur existence en tant que « sortie d'échappement ».

Ce motif est finalement remplacé par les grands chapeaux portés par les personnages de l'œuvre.
La forme qui dépasse au-dessus de la tête est un vestige d'une cheminée, indiquant que « la figure est vivante - la chaleur et l'énergie émotionnelle s'accumulent dans le corps et sont libérées vers l'extérieur ».

De plus, les colonnes apparaissent fréquemment dans le tableau. Si le chapeau/cheminée est lié au personnage, les colonnes restent distinctes, constituant des entités architecturales et symboliques.
Dans son œuvre, aucun être divin n'apparaît directement. Cependant, des « piliers » sont fréquemment représentés dans ses tableaux. Cela traduit son intérêt pour le pouvoir mystérieux que l'on dit des « choses imposantes » dans les paysages réels.
On dit souvent que le pouvoir réside dans ce qui est haut. Les pierres tombales sont placées verticalement près des tombes, et dans les sanctuaires, des piliers sont érigés et comptés comme « un seul pilier ».

En fonction du contexte culturel, le pilier est représenté comme un lieu où réside une énergie invisible.
« J'ai l'impression qu'il y a une énergie particulière qui réside dans les piliers, et je les utilise comme symbole dans mon travail. »

Les « piliers » peuvent aussi parfois servir de support pour connecter les spectateurs. Le sentiment d'unité né de la confrontation à une même réalité, la solidarité collective : cette énergie même se reflète dans les objets.
« Je trouve intéressant de voir tout le monde se rassembler et faire preuve de solidarité face à une même situation. C'est le genre de paysage que j'essaie de représenter. »

Une composition qui laisse place à l'imagination

Ses œuvres comportent souvent une part d'espace vide. Plutôt que de tout expliquer, il privilégie des compositions qui laissent place à l'imagination du spectateur.
« Si je dessinais tout, cela deviendrait trop explicatif, alors je laisse consciemment quelques espaces vides. »

L'espace existe tranquillement comme un espace où le spectateur peut « ressentir quelque chose ».

Dessiner l'invisible - Kyosuke Hiramatsu crée une « chaleur silencieuse »

Ce qui frappe d'emblée en regardant l'œuvre, c'est son architecture, semblable à celle d'un temple, les personnages alignés comme pour un rituel, et les mystérieux piliers et structures qui se dressent derrière. L'œuvre est à la fois grandiose et paisible, symbolique et émouvante, telle une peinture religieuse. Un « monde » quelque peu nostalgique, mais inédit, se dévoile en silence.

« On me dit parfois que mon travail ressemble à une peinture religieuse, mais je ne le perçois pas du tout comme tel. Je pense plutôt que mon travail conserve une certaine ressemblance avec la composition des peintures japonaises. Je suis assez influencé par les peintures japonaises de portes coulissantes et par la façon dont l'espace blanc est utilisé. »

Le point de départ d'une vision du monde : la forme d'énergie apportée par la « cheminée »

« La première chose que j'ai commencé à dessiner, ce sont des cheminées. »

Il a raconté qu'il regardait quotidiennement par la fenêtre de sa maison, qui donnait sur l'usine, et qu'il voyait les cheminées. Depuis son enfance, il ressentait que la « présence imposante » des cheminées l'avait touché. L'intérieur des cheminées était invisible de l'extérieur, et elles continuaient de cracher de la fumée blanche dans le ciel – il ressentait la présence d' une énergie invisible au niveau de la « sortie d'air ».

Regarder les cheminées me procure un sentiment de mystère. De l'extérieur, je ne vois pas ce qui se passe à l'intérieur, mais de la fumée s'échappe. Quelque chose brûle, il y a de la chaleur et de l'énergie. Je crois que j'ai été attiré par leur existence en tant que « sortie d'échappement ».

Ce motif est ensuite remplacé par les chapeaux hauts portés par les personnages de l'œuvre, dont la forme saillante est un vestige de cheminée, signe que le personnage est vivant - signe que la chaleur et l'énergie émotionnelle s'accumulent à l'intérieur du corps et sont libérées vers l'extérieur.

De plus, les colonnes apparaissent fréquemment dans le tableau. Si le chapeau/cheminée est lié au personnage, les colonnes restent distinctes, constituant des entités architecturales et symboliques.

Symbolisme et contexte culturel des piliers

Dans son œuvre, aucun être divin n'apparaît directement. Cependant, des « piliers » sont fréquemment représentés dans ses tableaux. Cela traduit son intérêt pour le pouvoir mystérieux que l'on dit des « choses imposantes » dans les paysages réels.

On dit souvent que le pouvoir réside dans ce qui est haut. Les pierres tombales sont placées verticalement près des tombes, et dans les sanctuaires, des piliers sont érigés et comptés comme « un seul pilier ».

En fonction du contexte culturel, le « pilier » est dessiné pour transmettre le sens qu'il s'agit d'un lieu où réside l'énergie .

« J'ai l'impression qu'il y a une énergie particulière qui réside dans les piliers, et je les utilise comme symbole dans mon travail. »

Les piliers comme dispositif pour connecter les spectateurs

Et les « piliers » peuvent aussi parfois servir de support au rapprochement des spectateurs. Le sentiment d'unité né de la confrontation à une même réalité, le sentiment de solidarité collective – cette énergie même est visualisée à l'écran.

« Je trouve intéressant de voir tout le monde se rassembler et faire preuve de solidarité face à une même situation. C'est le genre de paysage que j'essaie de représenter. »

Une composition qui laisse place à l'imagination

Ses œuvres comportent souvent une part d'espace vide. Plutôt que de tout expliquer, il privilégie des compositions qui laissent place à l'imagination du spectateur .

« Si je dessinais tout, cela deviendrait trop explicatif, alors je laisse consciemment quelques espaces vides. »

L'espace existe tranquillement comme un espace où le spectateur peut « ressentir quelque chose ».

L'« énergie » invisible qui réside dans les groupes

L'œuvre représente une rangée de personnes alignées en arrière-plan. À première vue, elles semblent toutes avoir des silhouettes similaires et porter les mêmes chapeaux.

« Chacun a sa propre personnalité. Même s'ils sont alignés au même endroit, si vous regardez attentivement, vous verrez qu'ils ont tous des chapeaux, des couleurs et des formes différents, ce qui en fait des personnages différents. »

Je n'ai pas de paramètres détaillés pour chaque personnage. De loin, ils peuvent sembler identiques, mais en y regardant de plus près, on constate qu'ils sont légèrement différents.

Il n’y a pas d’émotions ni de contexte définis, mais le simple fait d’« être là » est significatif .

« Je ne suis pas vraiment doué avec les groupes, mais je suis vraiment attiré par ce genre d’énergie. »

Des personnages tous tournés vers la même direction. Le cœur de l'œuvre réside dans la représentation d'une « énergie collective » invisible dans la densité et la répétition de cette imagerie.

Des « personnes » emblématiques et des couches d'émotions

« Les figures alignées au niveau inférieur (côté arrière) sont davantage représentées comme des icônes. »

L’œuvre comporte des couches qui mettent en avant les émotions et des couches qui sont disposées comme des entités symboliques.

« J'ai tendance à représenter les émotions au premier plan. Les personnages au second plan ressemblent davantage à des « symboles », et j'essaie de placer les éléments émotionnels au premier plan ou au premier plan. Je représente les personnages comme des « êtres présents » plutôt que comme des émotions. »

Les expressions faciales des personnages ne sont pas dessinées. Cependant, les couleurs ont un sens et se manifestent comme des couches d'émotions . La façon dont la « chaleur » est contenue dans un tableau calme naît également de cette structure.

Le concept vient en premier, l'image suit

Cela semble abstrait, mais logique.

« Je commence souvent par des mots et je dessine ensuite une image à partir de là. »

Avant de commencer son travail, il écrit sur papier de nombreux « mots ». Ceux-ci deviennent l'axe de son œuvre et la base de sa réflexion sur la composition.

« Il ne s’agit pas de ressentir, mais de dessiner de manière conceptuelle et logique. »

Les croquis sont simples et bruts, et aucun dessin fini n'est réalisé.

La composition et la structure découlent de la logique, et non de l'intuition. L'intention derrière ce tableau est claire .

La nostalgie est une émotion qui ne peut pas être expliquée simplement

Il espère que les gens ressentiront un sentiment de nostalgie ou de solitude en découvrant son travail. Cependant, il affirme que ces sentiments ne sont jamais tristes, mais positifs.

« Je pense que c'est vraiment nostalgique. Mais je ne veux pas le réduire à de la simple nostalgie . C'est un lieu solitaire, mais aussi paisible, comme si on profitait d'un moment de solitude. C'est le genre d'atmosphère que je recherche. »

Un arrière-goût mystérieux qui donne l'impression que la solitude et la chaleur coexistent.

« C'est comme voyager et découvrir un paysage inconnu, ce qui vous donne un sentiment de nostalgie. C'est le sentiment idéal. »

« Peut-être que je m'exprime à travers des images parce que je ne peux pas le mettre en mots moi-même. »

Il dit espérer que son travail deviendra une sorte de détente pour les spectateurs, plutôt qu’une source de soutien.

Pendant que je dessine, des souvenirs me viennent à l'esprit

« Quand je dessine, je me dis parfois : "Oh, peut-être que c'était là-bas." »

Il dit qu'au cours de la création d'une œuvre, des souvenirs du passé, dont il n'avait pas conscience, lui reviennent soudainement. Il ne commence pas avec l'intention claire de « dessiner ce lieu », mais à mesure qu'il dessine, il a l'impression qu'un paysage vu quelque part ou une atmosphère du passé surgit sous ses mains .

« Peut-être que ce sont les routes que j'empruntais qui restent comme atmosphère. Ce n'est qu'après les avoir dessinées que je réalise : "Peut-être que c'était comme ça." »

Ces souvenirs ne sont pas reproduits, mais émergent comme une « atmosphère » qui perdure tranquillement dans l’œuvre.

Toutes les œuvres sont dans le même monde

L'œuvre contient un vaste « monde ». Différentes compositions, différentes architectures, différents personnages – mais tous font partie du même monde. Bien que la disposition de l'architecture et des personnages diffère d'un écran à l'autre, ils font tous partie d'une même « scène » connectée et représentent simplement des paysages différents.

« Dans mon esprit, ils appartiennent tous au même monde. Mais quand je les dessine, je les imagine comme des scènes et des lieux différents. »

En dessinant, le « chapitre » émerge progressivement.

« Au début, j'ai un concept et une théorie en tête, mais souvent, en cours de route, je me dis quelque chose comme : « Oh, c'est ce que je voulais dessiner. » »

Comme il le dit, en dessinant, l'image à l'intérieur de lui devient progressivement plus claire .

« Est-ce toi ? » La question du spectateur et son impression persistante

Lors d'une de ses expositions personnelles, un visiteur lui a demandé : « Les personnes représentées dans vos œuvres sont-elles vraiment vous ? »

Un visiteur m’a un jour posé cette question lors d’une exposition personnelle, et cela m’a laissé une impression durable.

« Je pense que c'était peut-être moi. Mais je n'y ai pas vraiment pensé à l'époque. »

« Je me souviens avoir pensé : « Qu'est-ce que cela ferait d'apparaître dans un film ? »

L’idée de me mettre en avant dans mon propre travail était rafraîchissante.

« J'imagine cela comme une vue plongeante sur le monde. C'est comme lire une histoire. »

Ne donnez pas trop de réponses, laissez place à la réflexion

« Je ne donne pas vraiment de titres à mes œuvres. Quand je le fais, j'essaie de les garder simples et directs. »

Le thème de son œuvre est clair. Il prend cependant soin de ne pas tout expliquer par des mots. Il veille à ne pas surcharger ses œuvres, afin de laisser au spectateur la possibilité de laisser libre cours à son imagination.

« En n’expliquant pas trop, je pense que cela donne aux gens plus de place pour réfléchir. »

Je veux que le thème soit la réponse. J'ai une réponse claire, mais je veux que les spectateurs trouvent la leur. Ça ne me dérange pas qu'ils me donnent une réponse différente. Je veux m'en nourrir.

Il parle souvent lui-même aux visiteurs des expositions.

Je veux que vous l’affichiez dans un endroit qui attire votre regard.

Lorsqu'on lui a demandé comment il souhaitait que son travail soit apprécié, il a donné une réponse quelque peu inattendue : « J'aimerais qu'il soit exposé dans l'entrée ou sur le palier d'un escalier. »

Plutôt que de devoir rester assis à le contempler dans son salon, j'aimerais qu'il soit quelque part où l'on puisse le remarquer au quotidien. Même si on ne le voit pas tous les jours, j'aime qu'il soit suffisamment proche pour qu'on puisse passer devant et se dire : "Oh, il est là."

Ses peintures expriment une existence qui n’est pas trop intégrée au quotidien, mais qui est pourtant bien là.

Et le travail continue

À l’avenir, en plus de la peinture à l’huile, il envisage de s’essayer à diverses autres formes d’expression, telles que des œuvres en trois dimensions, de la céramique et même la création de livres d’images pour adultes.

« Ces derniers temps, j'ai pensé à fabriquer des pots et d'autres objets tridimensionnels. J'aimerais essayer différentes méthodes d'expression. »

Même si le projet est encore en phase de planification, il est clair qu’il souhaite étendre sa propre vision du monde au-delà des limites des médias.

« J'espère élargir mon expression petit à petit sans changer l'axe de mon expression. »

Toutes les œuvres existent dans la même ligne d'univers. Et ce monde silencieux continuera de s'étendre petit à petit.